The language of the soul

A linguagem da alma

Versão em português abaixo.

For those who don’t know much about ballet, the word ‘ballerina’ perhaps prompts an imagine of someone rising on the tip of their toes, spinning multiple times or doing splits in the air, but for those who truly appreciate dance, it takes a lot more than that to make a true ballerina. There is something no amount of skills or training could give, something which cannot be taught. A little spark that, when nurtured, grows beyond explanation: the soul and sensibility of an artist.

My whole life I looked up to dancers who I believed could teach me not just how to do the steps, but how to BE a ballerina. In my early days, I would watch the way my mom (and teacher) showed an exercise, accompanying her hands with her eyes, and how her facial expression would soften every time she demonstrated an adagio. I watched my flamenco teacher move to the sound of the guitar and how the chords seemed to infiltrate her whole body, filling her with energy and vibrancy. I couldn’t take my eyes off her, even when she performed in an ensemble.

Mom as Aurora in Beauty
Luciana Chaer, ballet/flamenco teacher

My ballet teacher in Canada used to say that we can learn so much from watching other dancers. Not by comparing ourselves to them, but by admiring their qualities and picking the lovely things we wish to some day integrate into our own dancing. I could always relate to dancers of a small stature, like Alessandra Ferri, Baryshnikov, Gelsey Kirkland, Roberta Marquez and Alina Cojocaru, perhaps because it was easier to picture myself in their skin. They all had something in common I couldn’t quite put my finger on (besides being petite like me), something in their quality of movement, the way they carried themselves, the intention and emotion they brought to their performance.

Finding myself in a professional environment, I made sure to observe everyone intently and was blown away by the amazing ease and control displayed by my colleagues, especially their ability to act a part, no matter how small, and steal the show. They seemed miles ahead in terms of artistic development and maturity, and I felt eager to match them.

Martha Leebolt and Tobias Batley in The Great Gatsby © Northern Ballet

At The Royal Ballet, there are so many talented young dancers who are just starting their careers, as well as those who have already built themselves a legacy and are famously known in the dance community (and beyond). When I joined the company, it was quite overwhelming to be around all these superstars. I would pass them in the corridors and would be dying to ask them for an autograph or a quick photo. It was like being surrounded by huge celebrities (which they are in the ballet world).

Steven McRae & Sarah Lamb in Beauty © ROH

In my very first full call rehearsal, I sat in a corner of the De Valois studio and noticed the room go silent as we watched, mesmerized, the pas de deux of Giselle with Carlos Acosta and Natalia Osipova, all eyes drawn to the couple and their complete surrender. It felt like I was witnessing something supernatural, a legendary Cuban dancer partnered with a newly joined Russian ballerina who seemed to literally be floating in the air. Their artistry, passion and commitment were just remarkable, and I had never witnessed anything like it before, not this close.

Never in my wildest dreams could I have imagined that I would someday be working alongside Carlos and taking part in the creative process of his Carmen, let alone be coached by Natasha (as she likes to be called), Nela (Nunez), Laura (Morera) or Sarah (Lamb). It is one thing to watch a dancer and imagine what they are thinking when they are performing, it is quite another to receive direct feedback from them and have a window opened for a little glimpse into their world.

Initially, I held back on taking the optional coaching sessions that now filled up our weekly schedule, thinking perhaps I was too old to be signing up for it amidst new members of the company who had just come out of school, but as soon as I walked into the room with my practice tutu in hands and new pointe shoes, my reservations immediately dissipated. Of course I was ready to learn from the best! This was the opportunity of a lifetime, and something I would treasure for many years to come.

We started with basic pointe work exercises, which then turned into little excerpts of solos and to us eventually learning whole variations from Cinderella, The Sleeping Beauty, and Don Quixote. We were putting our hard work and technique to use and developing our artistic potential, but more than the pleasure I got from working on the solos was the feedback we were receiving from the exceptional artists at the front of the room, who were generously sharing their love and expertise with us. My ears were tuned, and my brain was like a sponge trying to absorb every word.

The in-between steps

After spending some time in the studio with them, I came to realise that no one was there to teach us how to be perfect; a lot of it had to do with what we can do when things go sightly off, how to make a mistake work in our favour and masquerade the imperfections. We learn that dancing is like a juggling act, it is about compensating here and there and taking care of the in-between steps just as much as the big steps.

'It’s about making little adjustments and playing with musicality.'

The music

I have long suspected that music is a driving force behind what we do, it is how dancers seem to forget the technical challenges (and the feeling of being exposed), and surrender to the moment. Hitting certain accents in the music, playing with dynamics, and matching the speed and mood of what’s being played was highly emphasised in these coaching sessions. One thing I most admire in Laura’s dancing, besides her beautiful quality, is her musicality, and it came as no surprise to me that she picked the fairy godmother solo from Cinderella to teach us. All of Frederick Ashton's choreographies are very musical, and if you are not attentive, you fall behind it. I loved every second of working with her and every tip that she gave us.

Laura Morera and Ryoichi Hirano in Winter Dreams © ROH
The story

When demonstrating how they would do a certain step (and at this point, I could have happily sat down and watched them do the whole thing), they would talk about how the simplest arm gesture is saying something, every movement is telling the story. Even as they prepare to take that first pose, they have already impersonated the character they are portraying.

'The quality of a walk can tell us so much.'

This is something I also heard as a student when taking Drama & Expression lessons with Sorella Englund. Our walking can demonstrate strength or vulnerability, malice or innocence. With the right purpose and intention, you can reveal the personality of your character before performing a single step. It is in our facial expressions but also in the quality of our movements that the story is revealed. By use of the imagination, we keep a dialogue going in our minds, as well as a constant motivational and instructional self-talk.

Rehearsing La Sylphide with Sorella
The spark

Mom always told me to imagine a little ray of light coming out of the skies and meeting my own gleam of light. It may sound a little cheesy when said out loud, but I still think of it before going on stage, and she was right about this (amongst many other things). Marianela spoke of emanating light from your chest into the auditorium, Laura mentioned spreading a warm feeling, Osipova spoke of filling the stage with your presence ... they all had distinct ways of saying the same thing: that we are sharing something with the audience and projecting that which comes from deep within. I feel I can resonate with it so much.

Marianela Nunez as Aurora © ROH

There is a lot to remember and assimilate in ballet, and I guess that we easily find our focus shifting towards the technicalities of dance, but at the end of the day, what we truly want is to be able to express ourselves and communicate with the audience in a language that is our own. I believe it takes a lot of trusting in our abilities, but when we can let go of all fear and be genuine and authentic, we can reach our highest potential.

Natalia Osipova as Giselle © ROH

Even though these legendary dancers have become my work colleagues and I see them around the Royal Opera House all the time, I still feel very humbled in their presence. As we finished our last coaching of the week with Osipova, I had the realisation that not in a million years I imagined this would one day come to pass. She had been working for the past hour with me and a friend on every little segment of Dulcinea’s variation (Don Quixote, Act II), with suggestions of what each could do better and what version would suit us best. She kept on telling us to say to ourselves ‘I’m not tired. I’m not tired!’ which I found quite amusing! Maybe that's the secret to her relentless energy.

I felt the luckiest ballerina on the planet for being able to have an intimate moment in the studio with these incredible human beings whose work I have, for so long, admired. Honestly, one of the highlights of my time here at The Royal Ballet. I realised maybe I shouldn’t be so scared to ask for advice when they seem so happy and open to sharing their knowledge. Their dedication and generosity are truly inspiring; they must have so much more to pass on to next generations. They reminded me of everything that I appreciate in their work and what I most want to reflect through my own dancing. They filled my heart with light and joy, and I will keep on watching and learning from them with ever-growing respect and admiration.

Dancing with Vadim Muntagirov in Jeux

'To me, the body says what words cannot. I believe that dance was the first art. A philosopher has said that dance and architecture were the two first arts. I believe that dance was first because it's gesture, it's communication. That doesn't mean that it's telling a story, but it means it's communicating a feeling, a sensation to people. Dance is the hidden language of the soul, of the body.' - Martha Graham

Natalia Osipova and Carlos Acosta performing Giselle Act II.

Marianela Nunez and Vadim Muntagirov performing Don Quixote Act III.

#ballet #royalballet #training #career

A linguagem da alma

Para quem não sabe muito sobre balé, a palavra 'bailarina' talvez instigue a imagem de alguém subindo na ponta dos pés, girando piruetas ou fazendo espacates no ar, mas para quem realmente aprecia a dança, não é só isso que compõe uma verdadeira bailarina. Há algo que inúmeras habilidades ou treinamento não podem dar, algo que não pode ser ensinado. Uma pequena luz que, quando desenvolvida, cresce além da explicação: a alma e a sensibilidade de um artista.

Durante toda a minha vida, admirei bailarinos que acreditava poderem me ensinar não apenas como fazer os passos, mas como SER uma bailarina. No início, observava como minha mãe (e professora) fazia um exercício, acompanhando as mãos com os olhos, e como sua expressão suavizava cada vez que ela demonstrava um adágio. Notava minha professora de flamenco se mover ao som do violão e como os acordes pareciam se infiltrar em todo o seu corpo, enchendo-a de energia e vibração. Eu não conseguia tirar meus olhos dela, mesmo quando se apresentando em um conjunto.

Minha professora de balé no Canadá costumava dizer que podemos aprender muito observando outros bailarinos. Não nos comparando a eles, mas admirando suas qualidades e escolhendo aquilo ​​que desejamos um dia integrar em nossa própria dança. Sempre pude me identificar com bailarinos de baixa estatura como Alessandra Ferri, Baryshnikov, Gelsey Kirkland, Roberta Marquez e Alina Cojocaru, talvez porque fosse mais fácil me imaginar em sua pele. Todos eles tinham algo em comum que eu não conseguia identificar (além de serem baixinhas como eu), algo em sua qualidade de movimento, a maneira como se portavam, a intenção e a emoção que traziam para sua apresentação.

Ao me encontrar em um ambiente profissional, fiz questão de observar a todos atentamente e fiquei impressionada com a incrível facilidade e controle demonstrados por meus colegas, especialmente sua capacidade de representar um papel, por menor que seja, e roubar a cena. Eles pareciam estar bem mais a frente em termos de desenvolvimento artístico e amadurecimento, e eu ansiava por alcançá-los.

No Royal Ballet, há muitos jovens talentos que estão apenas começando suas carreiras, bem como aqueles que já construiram um legado e são notoriamente conhecidos na comunidade da dança (e além). Quando entrei na companhia, ficava deslumbrada por estar perto de todas essas estrelas. Passava por eles nos corredores e morria de vontade de pedir um autografo, tirar uma foto abraçadinha com eles. Sentia-me como rodeada de celebridades (o que eles verdadeiramente são no mundo do balé).

No meu primeiríssimo ensaio geral, sentei-me num canto do estúdio De Valois e notei que a sala ficou em completo silêncio enquanto assistíamos, hipnotizados, ao pas de deux de Giselle com Carlos Acosta e Natalia Osipova, os olhares fixados no casal e sua entrega. Parecia que eu testemunhava algo sobrenatural, um lendário bailarino cubano em parceria com uma bailarina russa recém-contratada que parecia estar literalmente flutuando no ar. Sua arte, paixão e comprometimento eram simplesmente extraordinários, e eu nunca havia testemunhado nada igual, não tão de pertinho.

Nunca, em meus sonhos mais loucos, poderia imaginar que um dia estaria trabalhando ao lado de Carlos e participando do processo criativo de seu balé Carmen, muito menos sendo treinada por Natasha (como ela gosta de ser chamada), Nela (Nunez), Laura (Morera) ou Sarah (Lamb). Uma coisa é observar um bailarino e imaginar o que ele está pensando quando está se apresentando, outra bem diferente é receber seu feedback e ter uma janela aberta para um pequeno vislumbre de seu mundo.

Inicialmente, me conti em fazer as sessões de treinamento (coaching) opcionais que agora ocupavam nossa semana, pensando que talvez estivesse muito velha para me inscrever no meio de novos membros da companhia que haviam acabado de sair da escola, mas assim que entrei na sala com meu tutu nas mãos e novas sapatilhas de ponta, minhas dúvidas imediatamente se dissiparam. É claro que estaria pronta para aprender com os melhores! Era a oportunidade de uma vida e algo que relembraria com carinho para sempre.

Começamos com exercícios básicos de trabalho de pontas que depois se transformaram em pequenos trechos de solos e, eventualmente, aprendemos variações inteiras de Cinderela, A Bela Adormecida e Dom Quixote. Estávamos colocando nosso árduo trabalho de técnica em uso e desenvolvendo nosso potencial artístico, mas mais do que o prazer em poder trabalhar nos solos foi o feedback que recebemos desses artistas excepcionais, que generosamente compartilhavam seu amor e experiência conosco. Meus ouvidos estavam sintonizados e meu cérebro funcionava como uma esponja tentando absorver cada palavra.

Os passos intermediários

Depois de passar algum tempo no estúdio com elas, percebi que não estavam ali para nos ensinar como ser perfeitas; muito do que foi dito estava relacionado com o que podemos fazer quando as coisas não saem como planejamos, em como transformar uma falha em algo positivo e mascarar as imperfeições. Aprendemos que dançar é como um ato de malabarismo, trata-se de compensar aqui e ali e cuidar tanto dos passos intermediários quanto dos grandes.

'Trata-se de fazer pequenos ajustes e brincar com a musicalidade.'

A música

Há muito tempo suspeito que a música exerce grande força por trás do que fazemos, é como os bailarinos parecem esquecer os desafios técnicos (e a sensação de estarem expostos) e se entregam ao momento. Capturar os acentos da música, a velocidade e temperamento do que está sendo tocado e brincar com a dinâmica foi altamente enfatizado nessas sessões de coaching. A coisa que mais admiro em Laura, além de sua bela qualidade, é sua musicalidade, e não me surpreendeu que ela tenha escolhido o solo de fada madrinha de Cinderela para nos ensinar. Todas as coreografias de Frederick Ashton são muito musicais, e se você não prestar atenção, fica para trás. Adorei cada segundo com ela e cada dica que nos deu.

A história

Ao demonstrar como fariam um determinado passo (e neste ponto, eu poderia ter sentado bem feliz e assistido à performance delas), falavam sobre como o simples gesto de um braço significa algo, cada movimento conta uma história. Mesmo quando se preparam para o primeiro balance, já personificaram o personagem que estão retratando.

‘A qualidade de uma caminhada pode dizer muito.’

Isso é algo que também ouvi quando estudante, nas aulas de Drama e Expressão com Sorella Englund. A caminhada pode demonstrar força ou vulnerabilidade, malícia ou inocência. Com o propósito e a intenção corretos, você pode revelar a personalidade de seu personagem antes sequer de executar um passo. É em nossas expressões faciais, mas também na qualidade dos movimentos, que a história é revelada. Com o uso da imaginação, mantemos um diálogo constante em nossas mentes, bem como uma conversa interna motivacional e instrutiva.

O brilho

Minha mãe sempre me disse para imaginar um pequeno raio de luz vindo do céu e encontrando com meu próprio raiozinho. Parece tão cafona quando dito em voz alta, mas ainda penso nisso antes de subir ao palco, e ela estava certa (entre muitas outras coisas). Marianela falou em emanar uma luz do peito para o auditório, Laura mencionou estar espalhando uma sensação calorosa, Osipova falou em encher o palco com sua presença ... todas tinham uma forma distinta de dizer a mesma coisa, que estamos a partilhar algo com o público e a projetar aquilo que vem de dentro. Sinto que posso ressoar muito com isso.

Há tanto para se lembrar e assimilar no balé que acho que todos nós encontramos nosso foco pendendo para os aspectos técnicos da dança, mas no fim, o que realmente queremos é ser capazes de nos expressar, nos comunicar com o público numa linguagem que seja só nossa. Acredito que seja preciso muita confiança em nossas habilidades, mas quando conseguimos nos livrar de todo o medo e sermos autênticos, podemos alcançar nosso maior potencial.

Embora esses bailarinos lendários tenham se tornado meus colegas de trabalho e eu os veja ao redor da Royal Opera House o tempo todo, ainda me sinto muito humilde em sua presença. Quando terminamos nosso último coaching da semana com Osipova, percebi que nem em um milhão de anos imaginei que um dia isso aconteceria. Ela havia trabalhado comigo e uma amiga por uma hora em cada pequena sessão da variação de Dulcinéia (Don Quixote, Ato II), com sugestões do que cada uma poderia fazer melhor e qual versão seria mais adequada. Ela nos instruía a dizermos a nós mesmos 'Não estou cansada. Eu não estou cansada!' o que achei muito engraçado! Talvez seja esse o segredo de sua energia implacável.

Eu me senti a bailarina mais sortuda do planeta por ter tido um momento íntimo no estúdio com essas personalidades cujos trabalhos venho a admirar por tantos anos. Honestamente, um dos destaques dos meus dias aqui no Royal Ballet. Percebi que talvez não devesse ter tanto medo de pedir conselhos quando parecem tão felizes e abertas a compartilhar seus conhecimentos. Sua dedicação e generosidade foram verdadeiramente inspiradoras, e elas devem ter muito mais a transmitir às gerações futuras, me lembraram de tudo que eu já valorizava na dança e de tudo que aprecio quando as vejo dançar. Encheram meu coração de luz e felicidade, e continuarei aprendendo ao observá-las com admiração e respeito sempre crescentes.

'Para mim, o corpo diz o que as palavras não podem. Acredito que a dança foi a primeira arte. Um filósofo disse que a dança e a arquitetura foram as duas primeiras artes. Eu acredito que a dança veio primeiro porque é gesto, é comunicação. Isso não significa que ela está contando uma história, mas significa que está comunicando um sentimento, uma sensação para as pessoas. A dança é a linguagem oculta da alma, do corpo. ' - Martha Graham

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