Preparing for a role

Tornando-se um personagem

Versão em português abaixo


The last-minute arrival of a casting sheet causes a cluster of people to gather around the notice board, in all eagerness to find out what parts they are playing. I try to squeeze myself in there and have a little peak, taking a snapshot with my phone so I can easily look at it later and make sure I know what I am supposed to be covering, which rehearsals to go to. We await each announcement in huge expectation. When the list goes up, I feel butterflies in my stomach. A mere paper sheet is going to shape our next couple of weeks and months, or perhaps be a turning point in our careers.


No one knows for sure how ballets are casted. All we know is that, with the artistic director’s consent, a provisional version of it has been put up on the board, perhaps subject to further discussions and last-minute changes. It comprises of a list of characters on each scene, and most importantly, who will be interpreting them. Unless you are doing a principal role, you only find out which roles you were given just a few days before rehearsals are due to start.



With the suspense over at last, it is time to do a little research. I make my way to the video room, where only the ballet staff and dancers have access to a valuable archive. There is a huge selection of ballet footage, past and present, every ballet you can think of that has ever been in the company's repertoire. I look to get a general idea of what awaits me, as I might not really know which dancer to be watching, but I am certain that rehearsals will be quickly paced so it is best to get a head start. Nowadays, we can access videos on our mobile phones and have a sneak-peak before rehearsals.


On my way to the studio, I make sure that I’ve got my tutu and the right pair of pointe shoes. The Royal Opera House has five different studios, and they all have names of great Royal Ballet personalities (which I love). Are we in the Ashton today? Or De Valois? Oh, not the slippery Mac Millan! It can be hard to keep track of where to go next. Dancers are constantly running back and forth and are not really allowed in the studio if it is still busy. Usually one rehearsal blends into another, warmups are done in narrow corridors, unless all you need is a quick change of pointe shoes.


Rehearsing Bayadere's scene of the shades with Natalia Makarova

I'm constantly looking at my watch to make sure I'm not running late, otherwise you get angry looks from the ballet masters. Time is very precious here, we must always start and finish on time! Besides making sure we keep up with the rehearsal schedule, miraculously worked out by our scheduler Phil Mosley, the role of the ballet master or répétiteur is to see that the choreography and style remain intact. This wouldn’t be possible without the help of a notator, who is in charge of teaching the steps, sequences, formations, all as it is scored in 'The Book'.


Dancers become quite efficient at learning and understanding choreography, it has become embedded in our psychological and motor control systems from years and years of practice. Just as our muscles are moulded from years of training, so is our brain. We dancers have really good memory, or so we believe. If it is a ballet we are very familiar with, a lot of questions and discrepancies are raised, which can lead to long discussions and a certain tension in the room. Are you sure it's not like this? Is it not the other leg? Are you sure??? Notators will always have the final word, as they are the only ones able to read what has been documented. They are very brilliant at their jobs; it is astonishing how they memorise every detail!


Benesh choreologist Lorraine Gregory in the studio
Benesh notators use abstract symbols based on figurative representations of the human body to document choreographies

Our lack of time demands that each and everyone's brain is switched on and that rehearsals are very productive. There is no messing about, especially not when Christopher Carr is in the room. He screams, and stamps, and shouts, but always gets the best out of us. Every time I see him, I can feel a storm approaching. I know that rehearsal will be tough and exhausting, but we will get things done and finish the day with a great sense of duty being fulfilled.


He has had many years of experience, forty as ballet master. After a single studio call with him, I will feel like I know exactly what I am doing and the energy it requires! He makes things so memorable that the dancing stays in our body. Perhaps from making us do things over and over, or from the way he sings or stamps each count, calling each sequence funny names. In fact, if he is in a good mood, he likes to call people by peculiar nicknames. To him, I'll always be Isabella Rockefeller!! (don't ask me why).


Chris Carr rehearsing principal Steven McRae

Chris Carr is in charge of putting together our production of The Nutcracker. He is the one who has prepared me for taking on the role of Clara, helping me understand and emotionally relate to moments in the story, guiding me through what could be more effective onstage seen from an audience's perspective so that my intentions are clear. These are very precious times in the studio, when you know you are in the presence of greatness and you want to do your best for them, as well as for yourself.


As Clara, I try to imagine myself as that eleven-year-old girl and how she would act at a Christmas party. How would she react when seeing all those magic treats, how excited but also fearful might she be to see things being transformed in front of her eyes, and heart-broken to find her prince collapsed on the floor after fighting the Mouse King. To me, it is quite easy to act 'mesmerised' in the Kingdom of Sweets. It is how I, Isabella, really feel every time I bow to the Sugar Plum Fairy, that supreme ballerina. As the narrator of the story, I also go on a journey and imagine that this could become true some day.


In dramatic ballets, dancers are required to reach beyond their technique and really bring out the personality of the characters to tell a story. These are my favourite kind! They require us to dig deep into our past experiences, relationships, anything we can to really feel those genuine emotions and imagine that we are that role. It all has to feel real on top of steps being finely executed. I try to find out what I can about the character, about the story and my role in it, so that I know what to feel and how to act the part.


Clara and her Nutcracker prince (Ben Ella)

Once every ensemble piece is rehearsed and the solos and pas de deuxs individually coached, all the bits and pieces are finally put together into scenes. A couple of weeks later, we would be going into full company rehearsals to run the entire ballet. All répétiteurs, artistic director, and ballet staff involved seat in their chairs at the front of the room (some guests and sponsors too when space allows), together with the stage manager and music staff. We work in collaboration with the conductor, who sets the tempos right. Set pieces and props are managed with the help of the crew, set marks are drawn on the lino to make sure we are close to feeling how much space we will have on stage.


I settle in one corner of the studio, where I may follow the rehearsal through attentively. It can get pretty crowded in there, space is limited. Meanwhile, a cast sheet is put up on the wall announcing the casting for today's rehearsal. I might have a very busy morning or plenty of time to sew new pointe shoes. Either way, I stay on high alert for those three hours. Our focus should be on what is happening at the very centre of the room, on making sure the ballet runs smoothly and that everyone knows exactly where they are supposed to be on each mise en scene.


Full runs in the studio are very important because they give dancers a sense of the stamina and energy needed to get through the whole ballet, and may point out things we have yet to work on to feel ready for the stage. It is a big deal for those who are dancing a main role for the first time, as this would be their very first time being exposed to their friends and colleagues, the whole team, which can sometimes be more intimidating than an actual performance. Whispers are silenced, everyone tries to create a supportive environment. The whole company has gathered round to watch you. In that moment, all you wish for is to reach up to their expectations.



It is there, in these full calls, that I can see clearly how different dancers may portray the same role, but each will bring unique qualities to their character to make it their own. I watch every cast being rehearsed with great admiration, noticing how special everyone is in their own way. It is up to you how you feel and interpret your role. In my eyes, there is no right or wrong, as long as it is genuine. The experts are there to give you guidance, but you must put your own 'specialness' into the character and make it yours. That is what I might be looking for in a performance: spontaneity.

Scene of the shades in Bayadere

Bright lights, settings, costumes, orchestra, spacing ... there is a lot to take in at this point. The main priority during the first week of stage calls is getting every principal cast on stage, especially the ones who are debuting in a role. There are usually three to seven casts of principals, all awaiting their turn. From solos to ensemble pieces, we all need to get familiar with everything around us, watch the wings for entrances and exits, adjust to the blinding stage lights which can very easily knock you off balance, find our marks in the lino to position ourselves symmetrically.


Hearing the orchestra play a score for the first time is my favourite moment in this whole staging process. I always get goosebumps. It feels like the most beautiful thing I’ve ever heard, even though I've heard the music on the piano for weeks leading up to it. Sometimes, the sound of the orchestra brings me to the right state of mind for a rehearsal, especially when we’ve had long days of early starts and late evening performances, to be repeated the next day. Ballets really are a beautiful collaboration between musicians and choreographers, dancers and the audience.


Royal Opera House stage and orchestra

General Rehearsals are the final step to prepare us for a role prior to an opening night. It runs just like a performance, and certainly feels like one. Everything is there, plus the main focus: our audience. I don’t recall ever stopping in a General, except when the fire alarm went off during our run of Don Quixote (due to pyrotechnics tests being carried out). Dancers, stage crew, musicians, and audience had to exit the building.


On Opening night, that same day, I accidentally kicked my real life and dance partner during a gypsy dance, right at the start of Act II. All was going well, until a slightly uncoordinated lift made me literally land on his head. We were both excused from the performance. I accompanied him to the hospital for a head check, feeling very guilty and upset. It was nothing serious, just a minor concussion, but I'll hear about it for the rest of my life! Tragic day indeed.


Things don't always go as planned. You might have performances when you feel completely in character, and others when you have to try a little bit harder, but only when all the elements come together on stage and the curtain goes up to the public that it feels truly real, and the story naturally unfolds. Now it is about enjoying, dancing, feeling.



I daydream of becoming a Juliet, Giselle, or an Alice in Wonderland. There are so many roles in Ashton ballets I aspire to be. When at Northern Ballet, I dreamed of portraying David Nixon’s Cleopatra. She is a strong, powerful, and controlling character, which I think would have been a great challenge. What attracts me to these roles are their emotional journey.


I see each ballet, old and new, as an opportunity to grow as an artist and develop in a company. There is that element of fear that you won’t be doing anything new or won’t be involved at all in a production. Maybe with the casting comes a wave of disappointment, or the most thrilling, unexpected news! Having to deal with our emotions is a big part of the job, and our lives. I got affected by so many decisions that were totally out of my hands, leading me to think that I wasn't good enough. But now I choose to believe that our favourite roles will land at our feet when we are ready for them.


The best is yet to come.


Rehearsing The Nutcracker with Chris Carr



Tornando-se um personagem


A chegada de última hora de uma folha de elenco faz com que um aglomerado de pessoas se reúna ao redor do quadro de avisos, ansiosas por descobrir quais papéis estarão interpretando. Eu tento me espremer entre os bailarinos e dou uma espiadinha, tiro uma foto com meu celular para que possa olhar melhor depois e ter certeza de que sei o que devo aprender, a quais ensaios ir. Aguardamos cada anúncio de elenco com grande expectativa. Quando aquela lista vem pro quadro, sinto um frio na barriga. Uma simples folha de papel vai moldar nossas próximas semanas e meses, ou talvez se torne um ponto crucial em nossas carreiras.

Ninguém sabe ao certo como um elenco é selecionado. Tudo o que sabemos é que, com a aprovação do diretor artístico, uma versão provisória é colocada no quadro, talvez sujeita a novas discussões e alterações de última hora. É composto de uma lista das personagens em cada cena, e mais importante, quem irá interpretá-los. A não ser que esteja dançando um papel principal, você só descobre quais papéis recebeu até apenas alguns dias antes do início dos ensaios.

Terminado o suspense, é hora de fazermos uma leve pesquisa. Encaminho-me para a sala de vídeo, onde apenas bailarinos e ensaiadores têm acesso ao valioso arquivo do Royal Ballet. Você encontra uma grande seleção de filmagens, antigas e atuais, todos os balés que você possa imaginar já feitos pela companhia. Procuro ter uma ideia geral do que está por vir, pois se é um grupo, não sei exatamente que bailarina assistir, mas tenho certeza de que os ensaios serão rápidos e o melhor é me prevenir. Hoje em dia, podemos até acessa-los no celular, dar uma espiada antes dos ensaios.

A caminho do estúdio, certifico-me de que estou com meu tutu e o par de sapatilhas correto. A Royal Opera House tem cinco estúdios diferentes, cada um com o nomde de uma grande personalidade Royal Ballet (o que eu amo). Estamos no Ashton hoje? Ou no De Valois? Ah, não no escorregadio Mac Millan! É difícil lembrar para onde irmos. Os bailarinos estão sempre indo e vindo e não é permitido entrar no estúdio se estes estiverem ocupados. Geralmente um ensaio emenda no outro, aquecimentos são feitos em corredores estreitos, a menos tudo o que precise é uma troca rápida de sapatilhas.

Olho constantemente no relógio para ter certeza de que não estou nem um minuto atrasada, caso contrário, receberei olhares irritados dos mestres de ballet. Aqui o tempo de ensaio é muito precioso, as coisas devem sempre começar e terminar na hora certa! Além de garantir que seguimos o nosso cronograma, miraculosamente organizado pelo agendador de ensaios Phil Mosley, o papel do mestre de balé ou répétiteuré fazer com que a coreografia e o estilo permaneçam intactos. Isso não seria possível sem a ajuda de um anotador encarregado de ensinar os passos, sequências, formações, tudo conforme é pontuado no seu 'livro'.

Os bailarinos tornam-se bastante eficientes na aprendizagem e compreensão da coreografia, isso se tornou incorporado em nosso sistema de controle psicológico e motor com anos e anos de prática. Nosso cérebro também é moldado por anos de treinamento, assim como nossa musculatura. Temos uma memória muito boa, ou pelo menos acreditamos ter. Tratando-se de um ballet com o qual estamos muito familiarizados, levantamos várias questões com o mestre de ballet, o que pode levar a leves discussões e a uma certa tensão na sala. Não me lembro disso ser assim. Você tem certeza? Não é com a outra perna? Os anotadores terão sempre a palavra final, pois são os únicos que podem ler o que foi documentado. Eles são muito brilhantes em seus trabalhos; é surpreendente como memorizam cada detalhe!

Nossa falta de tempo exige que o cérebro de cada um esteja ligado, que os ensaios sejam muito produtivos. Ninguém faz corpo mole, especialmente quando Christopher Carr está na sala. Ele grita, sapateia, e berra, mas sempre consegue o melhor de nós. Cada vez que o vejo, sinto que uma tempestade está por vir. Eu sei que o ensaio será difícil e exaustivo, mas terminaremos com aquela sensação de trabalho bem feito. Tarefa efetuada com sucesso!

São anos de experiência, mais de quarenta como mestre de dança. Depois de um único ensaio com ele no estúdio, sinto que sei exatamente o que estou fazendo e quanta energia isso vai requerer! Ele torna as coisas tão memoráveis ​​que a dança fica no nosso corpo. Talvez por nos fazer repetir tantas vezes, ou pela maneira como canta cada contagem e chama cada sequência por nomes engraçados. Na verdade, se ele está de bom humor, gosta de chamar as pessoas por apelidos peculiares. Para ele, serei sempre Isabella Rockefeller!!(não me pergunte por quê).

Chris Carr é encarregado de nos ensaiar em O Quebra-Nozes. Foi ele que me preparou para assumir o papel de Clara, que me ajuda a compreender e a me relacionar com cada papel, orientando-me sobre o que pode criar um efeito maior em cena, visto da perspectiva do público, para que entendam a história. São horas muito valiosas no estúdio, quando você sente que está na presença de algo grande, e quer fazer o seu melhor por eles bem como para si mesmo.

Como Clara, tento me imaginar como aquela menina de onze anos e como ela agiria em uma festa de Natal. Qual seria a sua reação ao ver truques de mágica e como ficaria encantada, ao mesmo tempo receosa, ao ver as coisas se transformarem diante de seus olhos, o coração partido ao encontrar seu príncipe desabado no chão após lutar contra o Rei dos Ratos. Para mim é tão simples atuar no Mundo dos Doces. Tudo é puro encantamento, e é realmente assim que eu, Isabella, me sinto ao me encontrar com a Fada Açucarada, aquela bailarina suprema. Como narradora da história, também faço minha viagem e imagino que aquilo possa realmente se tornar realidade um dia.

Em balés dramáticos, os bailarinos devem ir além de sua técnica e trazer à tona a personalidade dos personagens para contar uma história. Estes são meus favoritos! Eles exigem que mergulhemos fundo em nossas experiências passadas, relacionamentos, qualquer coisa que possa nos fazer realmente sentir essas emoções genuínas e imaginar que somos esse papel. Tudo tem que parecer real, além dos passos serem executadas com perfeição. Tento descobrir o que posso sobre o personagem, sobre a história e meu papel nela, para saber o que sentir e como interpretar.

Depois que cada dança em conjunto é ensaiada e todos os solos e pas de deuxs preparados individualmente, os números são finalmente arranjados em cenas. Algumas semanas depois, começamos os ensaios full callonde a companhia inteira se reúne para percorrerem todo o balé. Todos os ensaiadores, o diretor artístico, e a equipe envolvida se sentam em uma fileira de cadeiras na frente do estúdio (alguns convidados e patrocinadores também), juntamente com o diretor de palco e a equipe musical. Trabalhamos em colaboração com o maestro, que está ali acertando os ritmos. Os apetrechos são gerenciados com a ajuda de uma equipe, marcas de cenário e limites de palco são colocados no linóleo para garantir que estejamos o mais perto possível de sentir quanto espaço teremos em cena.

Sento-me em um canto do estúdio onde eu possa acompanhar o ensaio com atenção. Às vezes não há nem espaço, todos ficam bem apertadinhos. Enquanto isso, uma folha de papel é afixada na parede anunciando o elenco para o ensaio de hoje. Posso ter uma manhã muito ocupada ou um bom tempo para costurar sapatilhas de ponta. De qualquer maneira, o foco nas próximas três horas será sobre o que está acontecendo no centro da sala, em garantir que o balé corra sem problemas e que todos saibam exatamente onde devem estar em cada encenação.

Essas corridas no estúdio são muito importantes pois dão aos bailarinos uma noção da resistência e energia necessárias para que possam sobreviver ate o fim do balé, e apontam a coisas a serem trabalhadas para estarmos totalmente preparados para enfrentar o palco. São mais significativas ainda para aqueles que estão dançando um papel pela primeira vez, agora expostos a amigos e colegas, o time todo, o que às vezes pode nos causar mais medo do que o espetáculo em si. A sala fica naquele silencio, tentando mostrar apoio e incentivo. A companhia toda reunida em volta te assistindo. Naquele momento, tudo o que você deseja é corresponder às suas expectativas.

É lá nessas full calls onde vejo claramente como diferentes bailarinos podem representar o mesmo papel, mas cada um trará qualidades únicas ao seu personagem para torná-lo seu. Observo cada elenco sendo ensaiado com grande admiração, percebendo o quão especial cada um é a seu modo. Sentimos e interpretamos um papel da nossa maneira, e a meu ver não há certo ou errado, desde que seja genuíno. Os mestres de balé estão lá para nos orientar, mas você coloca o seu ‘toque especial’ no personagem. Talvez seja o que mais procuro numa performance: espontaneidade.

Luzes fortes, cenários amontoados, figurinos apertados, falta de espaço ... há muito ao que se adaptar no palco. A principal prioridade durante a primeira semana de ensaios no palco é dar uma oportunidade a todos os elencos principais, especialmente aqueles que estão estreando em um papel. Geralmente há de três a sete elencos de principais, todos aguardando sua vez de sentirem o palco. De solos a conjuntos, todos nós precisamos nos familiarizar com tudo ao nosso redor, observar as coxias para entradas e saídas, ajustar-nos às luzes ofuscantes do palco que podem facilmente nos desequilibrar, e encontrar nossas marquinhas no linóleo para que estejamos simetricamente posicionados.

Quando ouço a orquestra tocar pela primeira vez, sempre sinto calafrios. É meu momento favorito nessa etapa final. Parece a coisa mais linda que já ouvi, como se não tivesse ouvido a mesma música tocada no piano milhares de vezes nos últimos meses. Às vezes, o som da orquestra me leva a encontrar o estado de espírito certo para um ensaio, especialmente quando iniciamos cedo pela manha e seguimos ate tarde da noite com apresentações, para repetir tudo de novo no dia seguinte. Os balés realmente são uma colaboração entre músicos e coreógrafos, bailarinos e o publico.

Os General Rehearsals ou Ensaios Gerais são a última preparação para um papel antes da noite de abertura. Funciona como uma performance, e certamente se parece com uma. Tudo está lá como ensaiado, mais o foco principal: nosso público. Não me lembro de ter parado em nenhum ensaio geral, exceto quando o alarme de incêndio disparou durante o General de Dom Quixote (devido a testes de pirotecnia sendo realizados). Bailarinos, equipe de palco, músicos e público tiveram que sair do prédio.

Na noite de estreia, naquele mesmo dia, eu acidentalmente chutei meu namorado/partner durante uma dança de ciganos logo no início do segundo ato. Tudo corria bem, ate que uma levantada descoordenada me fez atingi-lo em cheio na cabeça. Nós dois fomos dispensados ​​da apresentação, e eu o acompanhei ao hospital para uma verificação de cabeça, sentindo-me bem culpada e chateada. Não foi nada sério, apenas uma pequena contusão, mas hei de ouvir sobre o episodio pelo resto da minha vida! Dia trágico, de fato.

As coisas nem sempre saem como planejamos. Você pode ter performances onde se sente a própria personagem, e outras quando tem que se esforçar um pouco mais, mas apenas quando todos os elementos se juntam no palco e a cortina se abre para aquele público é onde tudo ganha vida, e a historia se desenrola. Agora é curtir, dançar, sentir.

O que me atrai a um papel é sua jornada emocional. Eu sonho acordada em ser uma Julieta, Giselle ou uma Alice no País das Maravilhas. Há tantos papeis nos balés de Ashton que também desejo fazer. Quando estava no Northern Ballet, sonhei em retratar a Cleópatra. Ela é uma personagem forte, poderosa e controladora, e que eu acho que teria sido um grande desafio.

Vejo cada balé, antigo ou novo, como uma oportunidade de crescer como artista e se desenvolver em uma companhia. Existe aquele medo de que você não fará nada diferente ou não estará envolvido em uma produção. Talvez com a saída do elenco venha uma onda de decepção, ou a notícia mais emocionante e inesperada! Ter que lidar com nossas emoções faz parte do nosso trabalho, é um aprendizado de vida. Fui afetada por tantas decisões que estavam totalmente fora das minhas mãos, levando-me a crer que eu não era boa o suficiente. Agora, escolho acreditar que quando estivermos prontos, nossos papéis favoritos chegarão ao nosso alcance.


O melhor ainda está por vir.

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