Introducing our Repertoire

Introduzindo o nosso repertório

Versão em português abaixo.


When dancers choose their favourite companies, a place where they see themselves thriving, one thing they highly take into account is the company's repertoire. Repertoire is basically a body of works being regularly performed; it is what sets the company's 'style'. If you search The Royal Ballet on google, one of the first things you notice is this: 'The Company unites tradition and innovation'. This is what defines us and what I came to see as a great privilege: being able to perform a rich and diverse repertoire.


When I imagined what dancing with The Royal Ballet would be like, I pictured myself doing the big classics, such as Giselle and The Sleeping Beauty, and funny enough those were the very first ballets I danced with the company, back in 2014. I saw myself as a lyrical ballerina, one only suited for the classical style. I soon realised that taking part in new creations and being able to move in different ways is a huge part of the job, and one thing The Royal Ballet definitely demands of its dancers: versatility.



In our current repertoire, there certainly are the 19th century classics I wanted to be doing, but there is also a legacy of works by Sir Frederick Ashton and Kenneth Macmillan - two legendary British figures - and ballets by other great 20th century choreographers, such as George Balanchine and Jerome Robbins, a new canon of works by resident choreographers Wayne McGregor and Christopher Wheeldon, plus a number of new productions being created by renowned guests. I never imagined that the range of a repertoire could be so broad. There are ballets to suit every taste and attend to every audience.


The Royal Ballet is an old institution. It owes its existence to the visionary Dame Ninette de Valois. She wanted to preserve a classical tradition but knew the importance of keeping up with the changes of her time.


‘Respect the past, Herald the future, but concentrate on the present.’ Ninette de Valois


Through the years, Ninette de Valois created a canon of works which the company feeds from today. Romantic ballets, such as Giselle, reflect a time when art looked to escape reality. They are storytelling ballets which take us to a world of fantasy and the supernatural. The audience is mystified by the beauty and poetry of women dancing under white veils, coming to haunt their cunning lovers. Most ballerinas love performing Giselle. I personally like the contrast of the peasant act with the sombreness and power of the wilis in second act. It is the perfect length, fairly shorter than some of the old classics. The male dancers are particularly fond of Giselle because they get to go home early, while the ladies are painting their bodies white and preparing for their transformation into ghosts.



The Sleeping Beauty and Swan Lake are two very popular classics, dating from the age of Marius Petipa’s imperial ballets. Besides portraying love stories and the fairy tale world, these ballets showcase elegance and virtuous dancing, set to Tchaikovsky's beautiful scores.The Sleeping Beauty lasts about three hours, with its prologue of fairy variations, the famous Rose Adage, Garland waltz, vision pas de deux, and divertissements (which can seem to last forever). Not everybody’s cup of tea, especially if you’re watching ballet for the first time, but it has a significant place in the company’s history. It was premiered in 1946 in Covent Garden, reopening the theatre after the war, and a new production was made in 2006 for The Royal Ballet’s 75th Anniversary.


Things inevitably change over the years, but we aim to keep the essence of a ballet with the help of répétiteurs. The Sleeping Beauty, for example, is staged by Dame Monica Mason and Christopher Newton, both of whom have memories of this ballet being done in the 1950s and share their knowledge with a new generation of dancers. I have always loved the classics, but having seen and experienced how much work and attention is put into every detail, I appreciate them even more! Though it takes great endurance, they provide opportunities for the whole company to shine.



When such ballets return, the women know they've got to prepare themselves for a tough season. These are hard ballets, technically challenging but also demanding of a certain refinement and purity of classical lines and port de bras. Not to mention the hours of hard work put into making a unified, homogeneous corps de ballet. Apart from being swans, willies, nymphs, and shades, some women might have four to five other different roles and be quick-changing costumes that many times in a single performance. Liam Scarlett's Swan Lake is probably my biggest challenge to date, but I'm so grateful for the amazing roles I was given. It truly is a marathon, one worth embracing!


The classical repertoire is a vital part of The Royal Ballet, one that reminds me of the importance of holding on to a strong, clean classical technique, which can only come from our everyday training. The tutus won't hide a thing. Besides, it reminds us of the gifts of fantasy and storytelling, inherited from a golden age of classical ballet. Quite often, these ballets intertwine with neo-classical or contemporary works, demanding from dancers a constant switch in ways of thinking and moving.


The company often brings to the stage the increased energy and speed of Balanchine’s ballets. Balanchine, on the other hand, saw no need for a story. He created abstract ballets - such as Serenade, Symphony in C, Jewels - but the absence of story doesn’t mean that they have no feeling. For Balanchine, dance was the essence of emotion. The meaning is in our movements, in the musicality and intricate patterns of his choreographies.

Balanchine's Serenade

We dancers try our best to make justice to 'Mr B.' - the elongated lines, the agility and speed - but we're often told that something is lacking. Balanchine built his own legacy in America, and the 'American' ballet training better prepares the dancers for the demands of their repertoire. Although we try, we don’t expect to be able to move like them. These are such enjoyable ballets nonetheless, where dance itself becomes the plot. The audience can simply sit down and enjoy an evening of witnessing the magic of dancing.


We might not look like the dancers of the New York City Ballet, but we have no excuse but to look our best when bringing back Ashton's ballets. The works of Founder choreographer Sir Frederick Ashton are heavily showcased in our repertoire and came to embody what we call 'the English style'.


In Ashton's work you go from humour to sadness, to passion, to lusciousness, to total abandonment. He really encompassed everything and he did it through steps. Ashton uses every single muscle in the body to express every possible state of mind. And yet it's always beautiful, even if it's about sadness or misery. From the moment we went into the Company - when we were the lowest of the low in Ashton's ballets - we were trained to use our whole bodies, this was the way we danced. It was second nature to us, although, even up to my last Scènes de ballet, or The Dream, or A Month in the Country, he would still prod me and say bend more, bend more!"


Dame Antoinette Sibley DBE, former Principal, The Royal Ballet


It is difficult to say which of his ballets is my favourite. Since joining the company, I have become a huge fan of Sir Ashton's work. I think my very first experience was in Scènes de Ballet, jumping in last minute for someone who got injured. I was only a cover, but I got to perform in the very last show and thoroughly enjoyed it (once I got over the panic of trying not to mess it up). The same happened later with Rhapsody, where I had my first little solo. Rhapsody, The Dream, La Fille Mal Gardee, Les Patineurs, The Two Pigeons…there are so many ballets I have loved performing!


I learned that Ashton always had a muse, he was always inspired by the dancer's qualities and personality and tried to make roles to suit them. Perhaps that's why it feels like each and every role is so full of character, even if there isn't always a plot to follow. You follow the music, always in perfect sync with the steps, or rather the other way around?! Sometimes with Ashton one feels like the steps are the ones dictating the music.


The Royal Ballet strives to keep his legacy alive. And also for that reason we have répétiteurs, a tutor or coach who rehearses the works of specific choreographers, aiming to preserve his style and vision. There are specialists of Balanchine, of Ashton or MacMillan, who come to set the ballets and make sure that no detail gets lost. Christopher Carr is one of the ballet masters behind the brilliant revivals of Ashton ballets. He has rehearsed and staged some forty works in the company’s repertory, including our revivals of The Nutcracker, which happen nearly every Christmas, The Sleeping Beauty, La Fille Mal Gardee, and Coppelia.


A happy moment with Christopher Carr on opening night of Rhapsody, 2016. To this day, it remains one of my dearest memories.

For those looking for more dramatic ballets, something which reflects a darker, perhaps more truthful picture of reality with deeply moving pas de deuxs, one is in for a treat with the works of Sir Kenneth Macmillan. His full-length ballets portray stories of love, betrayal, rape, drugs, madness, suicide.. Macmillan wanted to bring to the stage something that felt more real. His ballets bring tragedy and a high dose of theatricality to our repertoire, such as with Manon and Mayerling . One cannot help but feel heartbroken for the cruel fate of his characters. It is also to him we owe our wonderful production of Romeo and Juliet.


‘In Kenneth MacMillan’s hands, ballet was not a fairy-tale art, but a powerful mirror to human frailty.’

kennethmacmillan.com - An Introduction


As a child, I fell in love with Juliet (Alessandra Ferri) in MacMillan's balcony pas de deux

A search for a more honest theatrical form of ballet might have started with MacMillan, but it is something that modern choreographers have aspired to achieve by use of a new vocabulary, through movements that aim to express the thoughts and feelings of contemporary times, stories a modern audience can resonate with.


Resident Choreographer Wayne McGregor has taken ballet to another level, mixing arts, science, and technology in his creations. The first McGregor ballet I ever danced was Woolf Works, when it premiered in 2015. It was a highlight for me because the one and only Alessandra Ferri, my perfect Juliet, was guesting with the company! (pictured below with Federico Bonelli). Meeting her felt like a dream, but the actual dancing was a bit of a challenge. I couldn't understand how people moved that way so naturally. It is a style that still gets me out of my comfort zone, one I look forward to exploring more.



I remember watching McGregor's Infra from the wings as I waited for my only appearance in the ballet (a walk across the stage), and feeling completely touched by such beautiful music and dancing. Infra is about 'the emotions hidden beneath the surface of human interaction'; it presents different dynamics in relationships. I saw that there was no need for glamorous tutus and sets to produce beautiful art.


The ballets of Christopher Wheeldon, The Royal Ballet's Artist Associate, have captivated audiences around the world. His Alice in Wonderland and The Winter’s Tale have become 'modern ballet classics' not only in our repertoire, but performed in other places such as Australia and Canada. The Winter's Tale was another highlight for me. I was new in the company and added last minute to the cast, just in time for its world premiere. It recently had its online premiere as part of the #OurHouseToYourHouse series.


The Winter's Tale, Royal Opera House 2015

Corybantic Games was the last of Wheeldon's creations for the company and I was lucky to be involved in it. This is an abstract piece, a scene resembling 'a classical world of athletes' which we were about to bring back to the stage had the lockdown not happened. It is quite special to take part in the creative process of such masterpieces, to experience all the trials and errors, the last-minute changes, all the team effort to get to the final product. It is always a different process for me, sometimes stressful, but mostly exciting! Everyone is ecstatic (and hopefully relieved) after an opening night, celebrating a well-received premiere.


16th March 2018, Opening Night of Corybantic Games, Royal Opera House.

The last few years have shown me that I was completely wrong in my view of contemporary dancing. I didn't see myself as a natural mover, thinking that it may be an 'easy' way out of the rigidity of classical ballet for some, but not for me. I realised that, like any dance style, it would take time and practice. Sometimes it is just a matter of letting go of our misconceptions.


Hofesh Shechter’s Untouchable, a piece about outsiders, changed my approach to contemporary dance in such a profound way. He helped me get over my insecurities, get moving and improvising. I allowed myself to feel uncomfortable and it made me see that what sometimes feels ugly and awkward can speak of emotions and internal feelings just as well as a perfectly placed arabesque speaks of joy and beauty.


It is through contemporary dance that I have gained one of my most precious memories, that of choreographer Crystal Pite creating Flight Pattern for The Royal Ballet. She worked together with a cast of thirty-six dancers to portray a community of refugees. She can talk about what inspired her to create this compelling piece and how she engages with us dancers to address a humanitarian crisis better than I ever will, so I will post a video here, together with a few other extracts, which can give a very tiny idea of the incredible variety of our repertoire.



Every work we do feels important. People relate to dance in different ways; some people enjoy watching the classics, others prefer a mixed-bill evening of contemporary pieces. The greatness of The Royal Ballet lies in being able to attend to every taste, preserving a tradition yet embracing our changing times. I believe it is what makes it one of the greatest companies in the world.


https://www.roh.org.uk/about/the-royal-ballet


An Introduction to Rhapsody, one of Ashton's final works. You can see the knowledge of coach Lesley Collier, who was in the original cast, being passed on to Natalia Osipova.


If you're interested to learn more about Sir Frederick Ashton and his legacy, go to The Frederick Ashton Foundation website or here is a wonderful 10 min video about him. Sir Frederick Ashton: a profile of the legendary Royal Ballet choreographer


Alessandra Ferri and Wayne Eagling in MacMillan's Romeo and Juliet, The Royal Ballet 1984


For more on Kenneth Macmillan, An Introduction to the life and works of Kenneth Macmillan


Wayne McGregor's Infra, final duet with Marianela Nunez and Edward Watson.


Just for a bit of fun, the Mad Hatter's Tea Party - Alice (Lauren Cuthbertson) stumbles upon the Mad Hatter (Steven McRae) in Christopher Wheeldon's Alice's Adventures in Wonderland .


The promised video with Crystal Pite on creating Flight Pattern.


#ballet #companylife #lifestyle #royalballet

Introduzindo o nosso repertório

Quando bailarinos escolhem suas companhias favoritas, um lugar em que se vêem prosperando, uma coisa que levam em consideração é o repertório, que é basicamente uma lista dos ballets a serem executados regularmente; é o que define o 'estilo' de uma companhia. Se você pesquisar The Royal Ballet no google, uma das primeiras coisas que você nota é a seguinte: "A companhia une tradição e inovação". É isso que nos define e o que percebi ser um grande privilégio: sermos capazes de executar um repertório rico e diversificado.

Quando imaginava como seria dançar com o Royal Ballet, imaginei-me fazendo grandes clássicos, como Giselle e A Bela Adormecida , e o engraçado é que esses foram os primeiros balés que dancei no palco da Royal Opera House. Eu me via como uma bailarina lírica, adequada apenas ao estilo clássico. Logo percebi que participar de novas criações e ser capaz de dançar diferentes estilos é uma grande parte do trabalho, e uma coisa que o Royal Ballet definitivamente exige de seus bailarinos: versatilidade.

Em nosso repertório atual, certamente existem os clássicos do século XIX que eu tanto queria fazer, mas também há um legado de obras de Sir Frederick Ashton e Kenneth Macmillan – dois lendários britânicos - e balés de outros grandes coreógrafos do século XX, como George Balanchine e Jerome Robbins, um conjunto de obras dos residentes Wayne McGregor e Christopher Wheeldon, além de várias novas produções sendo criadas por renomados coreógrafos convidados. Eu nunca imaginei que uma lista de repertórios pudesse ser tão diversa. Existem balés para todos os gostos que atendem a todos os públicos.


O Royal Ballet é uma instituição antiga. Ela deve sua existência à visionária Dame Ninette de Valois. Ela quis preservar uma tradição clássica, mas sabia a importância de acompanhar as mudanças de seu tempo. Ao longo dos anos, Dame Ninette de Valois criou um cânone de obras de onde a companhia se alimenta hoje. Balés românticos, como Giselle , refletem uma época em que a arte procurava escapar da realidade. São balés de narrativa que nos levam ao mundo da fantasia, do sobrenatural. A platéia se deslumbra com a beleza e poesia das mulheres cobertas de véus brancos, que chegam para assombrar os amantes que as traíram.


A maioria das bailarinas adora dançar Giselle. Pessoalmente, eu gosto do contraste do ato camponês com o mistério e poder das wilis na segunda parte. O balé é mais curto comparado com outros clássicos antigos. Os homens da companhia particularmente gostam de Giselle porque eles podem voltar para casa mais cedo, enquanto as mulheres pintam seus corpos de branco e se preparam para sua transformação em fantasmas.


A Bela Adormecida e O Lago dos Cisnes são dois clássicos muito populares, herdados da época dos balés imperiais de Marius Petipa. Além de retratar histórias de amor e o mundo dos contos de fadas, esses balés exibem elegância e virtuosismo, em acordo com as belas partituras de Tchaikovsky. A Bela Adormecida dura cerca de três horas, com seu prólogo de variações de fadas, o famoso Rose Adage, Valsa Garland, e divertissements (que parecem durar uma eternidade). Não faz o gosto de todos, especialmente se você está assistindo balé pela primeira vez, mas ele tem um lugar significativo na história da companhia. Foi produzido em 1946 em Covent Garden, reabrindo o teatro após a guerra, e a versão atual foi feita em 2006 para o 75º aniversário do Royal Ballet.

Inevitavelmente as coisas mudam ao longo dos anos, mas nosso objetivo é manter a essência de um balé com a ajuda de ensaiadores. A Bela Adormecida, por exemplo, é encenada por Dame Monica Mason e Christopher Newton, que têm lembranças desse balé realizado nos anos 50 e compartilham seus conhecimentos com uma nova geração de bailarinos. Eu sempre amei os clássicos, mas, tendo visto quanto trabalho e atenção são colocados em cada detalhe, eu os aprecio ainda mais! Embora exija grande resistência, eles oferecem oportunidades para toda a companhia brilhar.

Quando esses balés retornam, as mulheres sabem que precisam se preparar para uma temporada difícil. São balés tecnicamente desafiadores, mas também exigentes de um certo refinamento e pureza das linhas clássicas e do port de bras. Sem mencionar as horas de trabalho duro dedicadas à criação de um corpo de balé unificado e homogêneo. Além de serem cisnes, wilis, ninfas, algumas mulheres podem ter de quatro a cinco outros papéis diferentes com trocas rápidas de figurino em uma única apresentação. O Lago dos Cisnes de Liam Scarlett foi provavelmente meu maior desafio até hoje, mas eu sou extremamente grata pelos papéis maravilhosos que recebi. É uma verdadeira maratona, mas vale a pena simplesmente entregar-se!

O repertório clássico é uma parte essencial do Royal Ballet, me faz lembrar da importância de se manter uma técnica clássica limpa, o que só pode vir do nosso treinamento diário. Os tutus não escondem nada. Além disso, são herdados de uma era de ouro do balé clássico. Mas, muitas vezes, esses balés se intercalam com obras neoclássicas ou contemporâneas, exigindo dos bailarinos uma mudança constante nas maneiras de pensar e se movimentar.


A companhia costuma trazer ao palco a energia e velocidade dos balés de Balanchine. Balanchine, por outro lado, não via necessidade de uma historia. Ele criou balés abstratos - como Serenade, Symphony in C, Jewels - mas a ausência de uma narrativa não significa que eles não tenham nenhum sentimento. Para Balanchine, a dança era a essência da emoção. O significado está em nossos movimentos, na musicalidade e em seus intrincados desenhos coreográficos.

Nós bailarinos tentamos fazer o nosso melhor para atingir os requisitos do 'Sr. B.' - as linhas alongadas, a agilidade e a velocidade - mas muitas vezes nos dizem que está faltando algo. Balanchine construiu seu próprio legado na América, e o treinamento 'americano' de balé prepara seus bailarinos para as demandas de seu repertório. Embora tentemos, não esperamos ser capazes de nos mover como eles. No entanto, esses são balés divertidos, onde a própria dança se torna o enredo. O público pode simplesmente sentar e desfrutar de uma noite em que testemunham a pura alegria de dançar.


Podemos não parecer os bailarinos do New York City Ballet, mas não temos nenhuma desculpa quando se trata dos balés de Ashton. As obras do coreógrafo fundador Sir Frederick Ashton são sempre exibidas em nosso repertório e incorporaram o que chamamos de "estilo inglês".


No trabalho de Ashton, você passa do humor à tristeza, à paixão, à luxúria, ao abandono total. Ele realmente abrangeu tudo e o fez através de etapas. Ashton usa todos os músculos do corpo para expressar todo estado de espírito possível. E, no entanto, é sempre bonito, mesmo que seja sobre tristeza ou miséria.

Dame Antoinette Sibley, ex-bailarina do Royal Ballet

 É difícil dizer qual de seus balés é o meu favorito. Desde que entrei no Royal Ballet, eu me tornei grande fã dos trabalhos de Sir Ashton. Acredito que a minha primeira experiência foi em Scènes de Ballet, entrando no último minuto para alguém que se machucou. Eu era apenas uma ‘cover’, mas consegui me apresentar no último show e curti bastante (uma vez que superei o pânico de tentar não errar tudo). O mesmo aconteceu em Rhapsody, onde tive meu primeiro solo. Rhapsody, The Dream, La Fille Mal Gardee , Les Patineurs , The Two Pigeons.. tantos balés que adorei dançar!


Eu aprendi que Ashton teve sempre uma musa, era inspirado pelas qualidades e personalidade de um bailarino e tentava fazer papéis adequados a eles. Talvez seja por isso que sinto que todo e qualquer papel é tão cheio de personalidade, mesmo que nem sempre haja uma história a seguir. Você segue a música, sempre em perfeita sintonia com os passos, ou melhor, não seria o contrário?! Às vezes com Ashton os passos parecem estar ditando a música.

O Royal Ballet tenta manter vivo o seu legado. Também por esse motivo temos nossos répétiteurs, um tutor ou ensaiador vigiando os trabalhos de cada coreógrafo para preservar seu estilo e visão. Existem especialistas de Balanchine, de Ashton ou MacMillan, que vêm para preparar os balés e garantir que nenhum detalhe seja perdido. Christopher Carr é um dos mestres por trás de nossas brilhantes produções de Ashton. Ele ensaiou e encenou cerca de quarenta obras no repertório da companhia, incluindo O Quebra-Nozes, que acontece quase todo Natal, A Bela Adormecida, La Fille Mal Gardee e Coppelia.

Para quem procura os balés mais dramáticos, algo que reflita uma realidade mais sombri e verdadeira, com personagens que demonstram sensibilidade, iriam gostar das obras de Sir Kenneth Macmillan. Seus balés retratam histórias de amor, traição, estupro, drogas, loucura, suicídio. Macmillan queria trazer ao palco algo que parecesse mais real. Seus balés trazem tragédia e uma alta dose de teatralidade ao nosso repertório, como em noites de Manon e Mayerling. Não da pra não sentir o coração partir com o destino cruel de seus personagens. É também a ele que devemos nossa maravilhosa produção de Romeu e Julieta.


"Nas mãos de Kenneth MacMillan, o balé não era uma arte de conto de fadas, mas um poderoso espelho da fragilidade humana."

kennethmacmillan.com - Uma introdução

A busca por uma forma de balé mais honesta pode ter começado com MacMillan, mas é algo que os coreógrafos modernos aspiram alcançar usando um novo vocabulário, por meio de movimentos que visam expressar os pensamentos e sentimentos de nossa época, algo que o público moderno possa se identificar.

O coreógrafo residente Wayne McGregor levou o balé a outro nível, misturando artes, ciência e tecnologia em suas criações. O primeiro ballet de McGregor que dancei foi o Woolf Works, quando estreou em 2015. Foi um destaque para mim porque minha idola Alessandra Ferri , a Julieta perfeita, estava participando como convidada da companhia! Conhecê-la pessoalmente parecia um sonho, mas o espetáculo em si para mim foi um desafio. Eu não conseguia entender como as pessoas se moviam dessa maneira e tão naturalmente. Continua sendo um estilo de dançar que me tira da minha zona de conforto, algo que espero explorar mais.

Lembro de assistir o Infra de McGregor das coxias, enquanto esperava minha única aparição de dez segundos no final do balé (eu só atravessava o palco andando) e me senti completamente tocado por uma música e uma dança tão bonitas. Infra é sobre "as emoções escondidas sob a superfície da interação humana"; apresenta as diferentes dinâmicas nos relacionamentos. Vi que não havia necessidade de tutus e cenários glamorosos para produzir a arte.

Os balés de Christopher Wheeldon, também coreografo permanente do Royal Ballet, cativaram públicos do mundo todo. Seu Alice no País das Maravilhas e The Winter's Tale (O Conto de Inverno) se tornaram 'clássicos modernos do balé', não apenas em nosso repertório, sendo apresentados em outros lugares, como Austrália e Canadá. The Winter's Tale também foi algo inesquecível para mim, sendo nova na companhia e adicionada de última hora ao elenco bem a tempo de sua estreia. Teve recentemente sua estreia online como parte da série #OurHouseToYourHouse .

O balé Corybantic Games foi o último trabalho de Wheeldon para a companhia e tive a sorte de estar envolvida nela. Esta é uma peça abstrata, uma cena que se assemelha a 'um mundo clássico de atletas'. Estávamos prestes a traze-lo de volta ao palco se o lockdown não tivesse acontecido. É muito especial poder participar do processo criativo de tais obras-primas, passar por todas as tentativas e erros, as mudanças de última hora, vivenciar todo o esforço de uma equipe até chegar ao produto final. O processo é sempre diferente para mim, às vezes estressante, mas principalmente emocionante! Todo mundo fica em êxtase (e esperamos que aliviados) depois de uma noite de estréia, comemorando um espetáculo bem recebido.

Os últimos anos me mostraram que eu estava completamente errada na minha visão da dança contemporânea. Eu não via como algo natural pra mim, achava que talvez fosse uma maneira 'fácil' de escapar da rigidez do balé clássico para alguns, mas não para mim. Percebi que, como qualquer estilo de dança, levaria tempo e prática. Às vezes, é apenas uma questão de abandonar nossos ‘pré-conceitos’.

Untouchable, de Hofesh Shechter , mudou minha visão da dança contemporânea de maneira muito profunda. Ele me fez superar minhas inseguranças, comecei a me soltar mais e até improvisar. Eu me permiti sentir desconfortável e isso me fez ver que o que às vezes parece feio e desajeitado pode falar de emoções e sentimentos assim como um arabesque perfeitamente posicionado fala de pureza e beleza.

Foi através da dança contemporânea que adquiri uma das minhas memórias mais preciosas, a da coreógrafa Crystal Pite criando Flight Pattern para o Royal Ballet. Ela trabalhou junto com um elenco de trinta e seis bailarinos para retratar uma comunidade de refugiados. Ela pode falar sobre o que a inspirou a criar esta peça e lidar com a crise humanitária melhor do que eu jamais faria, então postarei um vídeo aqui, juntamente com alguns outros trechos de balés que podem dar uma pequena idéia da incrível variedade de nosso repertório, da importância de proteger um legado e criar novos trabalhos.


Todo trabalho que fazemos é importante. As pessoas se relacionam com a dança de maneiras diferentes; algumas gostam de assistir os clássicos, outras preferem uma noite de balés contemporâneos variados. A grandeza do Royal Ballet consiste em ser capaz de atender a todos os gostos, preservando uma tradição e refletindo nossos tempos de mudança. É o que nos faz ser umas das melhores companhias do mundo.


(Veja videos acima de Rhapsody, Romeo e Julieta, Infra, Alice no Pais das Maravilhas e Flight Pattern)


https://www.roh.org.uk/about/the-royal-ballet