De volta ao palco
Versão em português abaixo
The day dawned bright and sunny, unlike most mornings in London town, promising much good fortune and energy for The Royal Ballet’s return to the stage. Seven months had felt like an eternity, but the moment we stepped onstage for our first rehearsal, it really felt to me like we had never left it. Catching a glimpse of the auditorium, the red seats and gold contours, little trios of mushroom-like luminaires and that beautiful pale blue ceiling, my heart was filled with joy. I could appreciate all the details even more, and it reminded me of how mesmerised I was when I first set foot there.
Despite dealing with some technical issues initially, we were all over the moon to be back. In all my excitement, I skipped a whole section of the choreography, not realizing I was dancing completely on my own while everyone laughed behind me. Oh well, this could only get better! In a way, it is good when things go wrong in rehearsal, so that we are more prepared and alert for the little mistakes that might happen in a performance. It was a wake-up call for me, a gentle reminder that we needed more concentration than ever. We would be dancing for the first time in a long while, the adrenaline pumping, for an audience of 400 people (from one that holds more than 2,000) and the show being recorded for the whole world. In addition, there was a whole new protocol to be followed.
I used to think of this theatre as a tiny music box. It helped me with nerves and making a big audience seem less intimidating. Now it all felt so familiar, yet different in many, many ways that accommodated this new phase. The orchestra pit was gone, music stands were spread out where the stalls used to be, placed far out from each other. The stage felt even bigger with no sets, and the audience a lot further away.
Behind the scenes, a lot of things have been adapted to bring the show together, from how we entre end exit the building to where we seat in the changing rooms, how we take ballet class first thing in the morning, being rehearsed in separate groups, not to mention all the Covid testing that was done to ensure we felt safe. Remembering to wear masks to and from the stage, leaving our belongings in the designated chairs, and picking up costumes from rails outside the dressing rooms. Everything had been cautiously thought of.
Throughout this preparation time, the dancers have been excited, nervous, apprehensive with each test, but above all, very hopeful and grateful for slowly building a new routine. We are used to having a full-on agenda, with three to five ballets being worked at once, having only fifteen minutes in between rehearsals, and this time our only focus was this one event and whether it was really going to happen.
On Friday afternoon, as I sat around the Covent Garden piazza, sipping my coffee and waiting anxiously for the time to pass so I could go back and start getting ready for the show, I realised how far we had come. Less than two months ago, we were dancing in our kitchens and living rooms, and now we were about to step back on stage. Rehearsals were short and few over the last four weeks. With limited scheduling and social-distancing rules, we could not have put together a complete, four-act ballet, only diverts and highlights from our vast repertoire. That is not to say that this was an easy-peasy start! Most of us were familiar with the ballets, but the challenge was in building strength and stamina.
I carried on cycling to work and getting my cardio exercise of the day, until winter arrived and turned my hands into popsicles. I booked strength and conditioning classes twice a week, working on my squats, lunges and core stability. It felt great to be jumping in the studio again, not worrying about landing on top of a sofa or table, but my shins started to ache from the sudden increase in impact, something I always underestimate and should have learned to administer by now. Back to icing, deep-tissue massages, and treating myself to hot baths in the evening.
On my boyfriend’s birthday a month ago, I had made plans to do class in the morning and spend the day out with him, since I had no other engagements. But that morning, I was to find out I was having my very first rehearsal. I was to be one of the ‘super fairies’ in Frederick Ashton’s The Dream. Drastic change of plans. Kevin ended up meeting up with friends, so I didn't feel so guilty. I still made it for drinks (and cake??) followed by a lovely dinner which I had pre-booked. In a way, we were celebrating his birthday but also the prospects of The Royal Ballet performing again, a new beginning, and coming back to the reality of our jobs. We laughed at the fact that some things never change, last minute scheduling would keep happening, even in pandemic times.
I absolutely adore The Dream and being a fairy. Each super fairy has a name. I'm Mustardseed and the others are Peaseblossom, Cobweb and Moss. The sets and costumes are to die for, the magic is in every little detail. Ashton’s choreography is very speedy and puffy, especially with masks on. I did not feel at all prepared for the fast pace of that petit allegro, and couldn't think of anything more challenging to return to than the scherzo (what we call that little section of the ballet), but sometimes the hard things are exactly what we need to feel driven and motivated.
Even though we, the four fairies, felt a little afraid to start over at that pace, we knew we could do it and that we waited a long time for it. We must have improved in four weeks, but the truth is (and we get that feeling a lot in dance) no matter how many times you rehearse and repeat them, some things just don’t seem to get any easier. When we got to the stage, I felt as exhausted and out of breath as trying it in the studio for the first time. I had further to travel and run, and without the set on stage, we had to reimagine an enchanted forest and play our part as the magical beings that we are, gracious yet feisty.
It is always a challenge to bring a repertoire back, especially if they are not part of our everyday vocabulary. Untouchable, a piece by Hofesh Shechter, was a very new concept for everyone when it was created, one that would shape how I saw myself as a dancer. We spent hours and hours improvising across the room, imagining ourselves moving inside a bubble 'made of thick lava', as Hofesh used to say, feeling resistance and weight, hands feeling energetic and alive (something I found extremely challenging when training to have the softest hands my whole life).
Everything is quite the opposite of classical technique. Back in 2015, it took months to get us looking like the 'humble beasts' that Hofesh wanted. I was in my second season with the company, and I still remember trying so hard to blend in and master this strange, animalistic way of moving, of using our hands and posture. This time around, we were given only a couple of hours to get it back in our bodies, some of us having never even seen the piece. Watching the final product, I felt immense pride.
We start out placed in a grid, a few meters apart from each other, moving in a sort of meditative state. I guess it was the perfect vision to set the tone of social distancing rules, but five minutes into the ballet, things get very chaotic. The dancers split into different groups and dance clustered together, moving en masse. Therefore, we were only able to show the very opening sequence. I was just beginning to find my way when it ends abruptly, just as it started. It left me wanting more!
This piece will always have a special place in my heart. Being chosen for the creation of Untouchable made me see myself not just as a classical dancer, but one of power and versatility. It made me move in ways I never knew I could. Last Friday, as I took our fifteen strong steps into position (we all have to be very precise so that we clap at the exact same time), advancing towards the audience, one thought crossed my mind: We are back. This is it! We are here to stay. I needed one hundred percent focus not to mess things up completely, just like our lives. Now, more than never, we need to be disciplined and alert to what is happening within us and all around us.
I would have gone from something so contemporary and earthy to the lightness of fairies inThe Dream if it wasn’t for having Within the Golden Hour to end part one. Thank Goodness for that! Golden Hour is a neo-classical piece by Christopher Wheeldon which I have also danced before. I love the energy of this finale and the sense of freedom I get from it. And last but not least, we had the full fun of MacMillan’s Elite Syncopations, with all our brand-new company members on stage giving their all and having their first performance with The Royal Ballet.
Dancers are used to having setbacks, overcoming injuries and the predicaments of a dance career, things that can make us unable to perform for even longer than seven months (perhaps even years). But this was really something bigger and scarier in our lives which affected every single artist in the dance community. To think that we were there, preparing ourselves for a show, while so many jobs had been lost and so many theatres around the world remain shut, added a deeper meaning and appreciation for it.
It was quite an emotional performance, as I expected. I enjoyed it from beginning to end, even the fact that I had to keep two meters apart from my partner in Elite Syncopations, meaning I could really look him in the eye and feel his joy and enthusiasm. We were all moved by being back on stage and watching our colleagues dance so beautifully. t brought us so much hope.
We don't know what tomorrow will bring, but today, let us make the most of it.
This was the spirit of an unforgettable evening.
About being back on stage with social distancing rules: https://www.bbc.co.uk/news/av/entertainment-arts-54474630
De Volta ao palco
O dia amanheceu claro e ensolarado, ao contrário da maioria das manhãs na cidade de Londres, prometendo muita sorte e energia para o retorno do Royal Ballet ao palco. Sete meses pareceram uma eternidade, mas no momento em que pisamos no palco para o nosso primeiro ensaio, realmente senti como se nunca tivéssemos saído dali. Vislumbrando o auditório, os bancos vermelhos e contornos dourados, pequenos trios de luminárias em forma de cogumelo e aquele lindo teto azul claro, meu coração se encheu de alegria. Pude apreciar todos os detalhes ainda mais, e isso me lembrou de como fiquei encantada quando pus os pés ali pela primeira vez.
Apesar de lidarmos com alguns problemas técnicos inicialmente, estávamos muito felizes por estar de volta. Com toda a minha empolgação, pulei uma parte inteira da coreografia, sem perceber que estava dançando completamente sozinha enquanto todos riam atrás de mim. Bem, isso só poderia ficar melhor! De certa forma, é bom quando as coisas dão errado no ensaio, para que estejamos mais preparados e alertas para os pequenos erros que possam ocorrer em uma apresentação. Foi um lembrete gentil de que precisávamos de mais concentração do que nunca. Estaríamos dançando pela primeira vez em um bom tempo, a adrenalina a flor da pele, para um publico de 400 pessoas (de uma plateia que comporta mais de 2,000) e o espetáculo sendo gravado para o mundo todo. Além disso, havia todo um novo protocolo a ser seguido.
Eu costumava imaginar este teatro como uma caixinha de música. Isso me ajudou com os nervos e fez uma grande audiência me parecer menos intimidante. Agora tudo era tão familiar, mas diferente em muitos, mas muitos aspectos, para que acomodássemos esta nova fase. O fosso da orquestra havia desaparecido, os estandes de música estavam espalhados pela plateia onde antes ficavam inúmeros assentos. O palco parecia ainda maior sem cenários, e o público muito mais distante.
Nos bastidores, muitas coisas foram adaptadas para preparar o show, desde como entramos e saímos do prédio até onde nos sentamos nos vestiários, como fazemos a aula de balé logo de manhã, sendo ensaiados em grupos separados, além de todos os testes de Covid feitos para garantir que nos sentíssemos seguros. Devemos nos lembrar de usar máscaras para entrar e sair do palco, deixar nossos pertences em cadeiras designadas e pegar figurinos nas grades do lado de fora dos camarins. Tudo foi cautelosamente pensado.
Durante todo esse tempo de preparação, os bailarinos ficaram animados, nervosos, apreensivos a cada teste, mas acima de tudo, muito esperançosos e gratos por construir lentamente uma nova rotina. Estamos acostumados a ter uma agenda cheia, com três a cinco balés sendo trabalhados ao mesmo tempo, tendo apenas quinze minutos entre os ensaios, e desta vez nosso único foco era este evento, se daria tudo certo ou não.
Na sexta-feira à tarde, sentada na Piazza de Covent Garden, tomando meu café e esperando ansiosamente o tempo passar para que eu voltasse ao teatro e pudesse começar a me preparar para a apresentação, percebi o quão longe havíamos chegado. Há um mês atrás, dançávamos em nossas cozinhas ou salas de estar, e agora estávamos prestes a subir ao palco! Os ensaios foram curtos e poucos nas últimas quatro semanas. Com tempo de trabalho limitado e regras de distanciamento social, não poderíamos ter montado um balé completo de quatro atos, apenas pas de deuxs e pequenos destaques de nosso vasto repertório. Isso não quer dizer que tenha sido algo fácil de se preparar! A maioria de nós bailarinos estava familiarizado com os balés, mas o desafio seria ganhar força e resistência.
Continuei pedalando para o trabalho e fazendo meu exercício cardiovascular do dia, até que o inverno chegou e minhas mãos viravam picolés. Reservei aulas de força e condicionamento duas vezes por semana, trabalhando em meus agachamentos, lunges e estabilidade do tronco. Foi ótimo poder saltar em um estúdio novamente, sem me preocupar em pousar em cima de um sofá ou mesa, mas minhas canelas começaram a doer com o aumento repentino do impacto, algo que sempre subestimo e deveria ter aprendido a administrar agora. De volta ao gelo, às massagens profundas e banhos quentes de banheira à noite.
No aniversário do meu namorado, um mês atrás, eu tinha planejado fazer aulas pela manhã e passar o dia fora com ele, já que não tinha outros compromissos. Mas naquela manhã, descobri que teria meu primeiro ensaio. Eu seria uma das 'super-fairy' em The Dream (O Sonho), do coreografo Frederick Ashton. Mudança drástica de planos. O Kevin acabou encontrando com os amigos, então não me senti tão culpada. Ainda cheguei a tempo para os drinks (com bolo?) seguido de um jantar adorável que eu tinha reservado. De certa forma, estávamos comemorando o aniversário dele, mas também a perspectiva do Royal Ballet se apresentar novamente, um reinício, e da volta à realidade de nossos trabalhos. Rimos do fato de algumas coisas nunca mudarem, como esses ensaios de última hora que sempre aconteceriam, mesmo em pandemia.
Eu absolutamente adoro The Dream e ser uma fada. Cada uma dessas fadinhas tem um nome. Sou Mustardseed (Semente de Mostarda), as outras Peaseblossom, Moss, and Cobweb (Flor de Ervilha, Musgo e Teia de Aranha). Os cenários e figurinos são de morrer, e a magia está em cada pequeno detalhe. A coreografia de Ashton é muito rápida e ofegante, especialmente com máscaras. Não me sentia nem um pouco preparada para o ritmo acelerado daquele petit allegro e não conseguia pensar em nada mais desafiador para voltar do que o scherzo (como chamamos aquela partezinha do ballet), mas às vezes as coisas difíceis são exatamente o que precisamos para nos sentirmos impulsionados e motivados.
Mesmo que nós, as quatro fadas, nos sentíssemos um pouco receosas de recomeçar nesse pique, sabíamos que era algo possível e que esperamos muito tempo por isso. Devemos ter melhorado nessas quatro semanas. A verdade é que (e temos muito essa sensação na dança) às vezes não importa o quanto você ensaie e repita algo, aquilo não parece ficar mais fácil. Quando chegamos ao palco, eu me senti tão exausta e sem fôlego quanto aquela primeira vez no estúdio. Tinha que percorrer uma distância maior, e sem os cenários no palco, tivemos que imaginar uma floresta encantada e fazer nossa parte como os seres mágicos que somos, graciosos e vivaz.
É sempre um desafio trazer de volta um repertório, principalmente se ele não faz parte do nosso vocabulário cotidiano. Untouchable (Intocável), uma peça de Hofesh Shechter, foi um conceito muito novo para todos quando foi montado, e iria moldar a forma como eu me via como bailarina. Passamos horas e horas improvisando pela sala, imaginando como se estivéssemos nos movendo dentro de uma bolha ‘feita de lava espessa’, como Hofesh costumava dizer, sentindo resistência e peso, mãos vivas e com energia (algo que achava extremamente desafiador pois treinei para ter mãos suaves minha vida inteira).
Tudo é exatamente o oposto da técnica clássica. Em 2015, demoramos meses para nos tornarmos as 'humildes feras' que Hofesh queria. Eu estava na minha segunda temporada com a companhia, e ainda me lembro de tentar me infiltrar e dominar essa forma estranha e animalesca de se mover, de usar as mãos e a postura. Nesta gala, tivemos apenas algumas horas para retomar o jeito da coisa, alguns de nós nunca tendo dançado o ballet antes. Vendo o produto final, senti um orgulho tremendo.
Começamos posicionados em formação de grade, a alguns metros de distância um do outro, movendo em uma espécie de estado meditativo. Acho que foi o número perfeito para definir o tom das regras de distanciamento social, mas cinco minutos após iniciarmos a movimentação, as coisas ficam bem caóticas. Os bailarinos se dividem em grupos diferentes e dançam agrupados, movendo-se em massa. Por essa razão, só pudemos mostrar a sequência de abertura. Estava apenas começando a encontrar o meu ritmo quando tudo termina abruptamente. Isso me deixou querendo mais!
Esta coreografia terá sempre um lugar especial no meu coração. Ser escolhida para a criação de Untouchables fez eu me ver não apenas como uma bailarina clássica, mas também de força e versatilidade. Ela me fez mover de maneiras que eu nunca soube que poderia. Quando a cortina se abriu para darmos nossos quinze passos e entrar em posição (todos temos que ser muito precisos para batermos palma ao mesmo tempo), avançando em direção ao público, algo passou pela minha cabeça: Estamos de volta. This is it! Nós estamos aqui para ficar. A dança exige foco total, assim como a vida. Agora, mais do que nunca, precisamos ser disciplinados e alertas para o que está acontecendo dentro de nós e ao nosso redor.
Eu teria ido de algo tão contemporâneo e pesado para a leveza das fadas em The Dream se não fosse por ter Within the Golden Hour encerrando a primeira parte. Que alivio! Golden Hour é uma coreografia neoclássica de Christopher Wheeldon que também já havia dançado. Eu amo a energia desse finale, o sentimento de liberdade que ele traz. Por último, mas não menos importante, nos divertimos ao máximo com Elite Syncopations, de Kenneth MacMillan , com os novos membros da companhia no palco dando tudo de si e tendo sua primeira apresentação com o Royal Ballet.
Bailarinos estão acostumados a ter contratempos, a superar lesões e mil obstáculos de uma carreira na dança, o que fazem com que fiquemos incapazes de nos apresentar por até mais de sete meses, talvez anos. Mas isso foi realmente algo maior e mais assustador nas nossas vidas que afetou cada artista da nossa comunidade. Pensar que estávamos lá, nos preparando para um show, enquanto tantos empregos haviam sido perdidos e tantos teatros ao redor do mundo permanecem fechados, acrescentou um significado e uma apreciação mais profundos a isso.
Foi um espetáculo bastante emocionante, como esperado. Eu curti do começo ao fim, até o fato de ter que manter dois metros de distância do meu parceiro no Elite Syncopations. Pude olhar bem em seus olhos e compartilhar seu entusiasmo e felicidade. Foi uma troca de energia muito gostosa. Todos ficamos comovidos por termos retornado ao palco e por ver nossos colegas dançarem tão lindamente. Isso nos trouxe muita esperança.
Não sabemos o que o amanhã trará, mas hoje, vamos aproveitar ao máximo.
Esse foi o espírito de uma noite inesquecível.